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Maria Rita es una de las cantantes brasileras más espectaculares de nuestros tiempos, en su sangre lleva todo el bagaje cultural y el talento de sus padres, la legendaria cantante del bossa nova Elis Regina y el pianista ganador de Latin Grammy Cesar Mariano. Aunque se dedica ahora completamente a la música, Maria Rita radicó con su padre en Estados Unidos durante 8 años, en donde estudió comunicación social y estudios latinoamericanos, e incluso trabajó como periodista por un tiempo, escribiendo en una revista para adolescentes. Pero la sangre llama y no pudo combatir contra esa extraordinaria herencia e impulso por expresar todo ese arte y magnífica voz que posee y no fue hasta los 24 años que empezó su carrera musical.

El nombre de su madre, Elis Regina, muy famoso en Brasil y en el ambiente de la música latinoamericana en general, influenció en la postergación del inicio de su carrera aunque no se arrepiente de ello. Maria Rita dice: “Encaro la vida como un gran proceso hecho de varios pequeños procesos en el camino, siempre quise cantar, pero la cuestión no era el querer, era el por qué. No me gusta hacer nada sin tener un porqué, es más fácil cuando uno tiene un objetivo, una meta, el motivo comenzó a exis- tir cuando percibí que quedaría loca si no cantaba”. En su música refleja toda esa influencia brasileña con la que nació y creció, al incorporar estilos como el bossa nova y la samba, llevados a una fina mezcla de matices y armonías jazzísticas con beats de funk, del cual se nutrió de su estancia en Nueva York, acompañada por el formato ins- trumental dotado por: piano, contrabajo, batería y percusiones. Su estilo sobresale por un registro vocal (mezzo) que le per- mite interpretar diversos tipos de cancio- nes, algo parecido a lo que hacía su madre pero diferente, un fraseo influido por voces como la de María Bethania y grandes del jazz como Ella Fitzgerald, Sara Vaughan y Billie Holliday, logra una conexión con la tradición de la música popular de su país, más abierta a otras músicas, menos encasi- llada, que muestra dos caras de la canción popular brasileña, es decir puede ser ale- gre y festiva como una samba o íntima, callada, retraída y melancólica como un bossa nova, dejando mostrar todo ese talento que ha ido desarrollando y evolucionado, logrando un estilo ya muy propio, que deja atrás las comparaciones con su madre, aunque siempre sonará esa magnífico timbre que heredó de una grande por genética y que hace parecer que su madre vive ahí en su voz. Cuando alguien carga con el peso de una herencia como la de Maria Rita, tiene dos caminos: se diferencia radicalmente o la imita sin prejuicios. Ambas opciones son una respuesta, Maria Rita no reniega ni hace alarde de su condición de hija de Elis Regina sino que lo suma como dato ineludible y sigue.

Posee una gran presencia escénica que la hace ver como toda una experta y como si llevara muchos años arriba de un escena- rio, asume su papel de líder con toda sus expresiones y manera de interpretar los te- mas, que logra cautivar a la audiencia de manera implacable, haciendo de su concierto un show muy completo, pues incorpora un trabajo escénico teatral, además del musical, tratando de manera muy particular cada tema, con un sonido depurado y matizado.

Antes incluso de lanzar su primer CD, fue la vencedora del Premio APCA de 2002 como Revelación del año. En su carrera cuenta ya con tres discos grabados, con los que se ha transformado en los últimos ocho años en el último gran descubrimiento de la música popular de su país. Un impulso clave en su carrera es el que le dio Milton Nascimento, al apadrinarla cuando ni siquiera había grabado su primer disco, un año antes él la invitó a participar en su álbum Pietá y fue un gran espaldarazo, igual al que le dieron Rita Lee y Caetano Veloso, entre otros.

Su primer disco María Rita (2003) fue todo un acontecimiento. Como una bocanada de aire fresco llegaron a los oyentes “Cara Valente” (sambiña), “A festa”, o el bole- ro en español “Dos gardenias”, como la avanzada de un disco que al año siguiente conquistó tres Grammy Latinos, después de haber hecho época en Brasil, el disco vendió más de 1 millón de copias en todo el mundo. El primer DVD, que trae el mismo título y estuvo en tiendas la primera semana de noviembre de aquel año, llegó a la marca de 150 mil copias. Ambos fueron lanzados en más de 30 países, incluyendo Alemania, Argentina, Austria, Bélgica, Canadá, Chile, Colombia, Dinamarca, Ecua- dor, Finlandia, Francia, Inglaterra, Italia, Japón, Corea, República Checa, México, Holanda, Noruega, Portugal, Suecia, Suiza, Taiwán y Venezuela.

Dos años después vino Segundo, álbum en donde profundiza el formato de trío de piano acústico y Rhodes, bajo y batería de ascendencia jazzística, en el que grabó canciones de autores clásicos como Chico Buarque y Edu Lobo, temas del grupo brasileño O Rappa como la canción mas fuerte y funky del disco llamada “Minha Alma”, destaca un tema en español del celebre cantautor uruguayo Jorge Drexler, llamado “Mal Intento” , además de nuevos autores, donde la voz destaca por su fuerza expresiva en medio de armonías inquietantes, reafirmándola y posicionandola en el mercado musical de excelencia en todo el mundo y llevándola de gira mundial.

En el 2007 lanzó Samba Meu, tercer disco que refleja su participación activa en los carnavales, ya que es parte de la comuni- dad de la samba y no es una advenediza. Propone una nueva lectura de la tradición, no repite, busca nuevos caminos expresivos, vocales e instrumentales, así como nuevos autores. Maria Rita interpreta de manera personal las raíces de la samba pero acer- cándose al latin jazz, a veces al pop, ampliando su instrumentación con guitarras, percusiones brasileñas y con letras de au- tores jóvenes salvo el célebre Gonzaguinha. Muestra una innovación en el formato ins- trumental: batería, bajo acústico y piano acústico que no se usa actualmente para la samba en Brasil, igual que la utilización moderada y equilibrada de instrumentos de percusión brasileños (como la cuica) o el característico cavaquiño, propone matices, colores, atmósferas, aires, ya que lo suyo es tenue, suave, melódico, como una acuarela, logra decir mucho con poco.

Ha ganado premios importantísimos como: Grammy Latino en las categorías Revelación del Año, Mejor Álbum de MPB y Mejor Canción en Portugués (“A festa”) en el 2004, Premio Hace la Diferencia (ofrecido por el diario El Globo); el trofeo de la categoría Mejor Cantante del Premio Multishow y los del Premio Tim en las ca- tegorías Revelación y Elección del Público. En el año 2006, gana dos Grammys Latinos más: Mejor Álbum de MPB y Mejor Canción Brasileña con “Caminho das Águas” de Ro- drigo Maranhão, y participa en más de 50 presentaciones internacionales con éxito absoluto de público y crítica en el Festival de Jazz de Montreux, North Sea Jazz Fes- tival, Irving Plaza (NE), San Francisco Jazz Festival, entre otros.

Ahora a sus 34 años, Maria Rita ha logrado pasar la enorme sombra de Elis Regina so- bre su cabeza, y orgullosa de ella, ha conseguido un espacio por sí misma en el competitivo y complejo panorama de la actual canción de su país y del mundo. Vocera de la nueva generación de cantantes, labran- do ya un amplio camino que deja en claro las nuevas reglas del juego.

Banda española nacida en 2001, con una propuesta musical innovadora y sugestiva de fusión de flamen- co errante y rock progresivo, donde sus integrantes, naturales de Madrid, Elche y Alicante, conjugan a la per- fección rumbas, tangos y bulerías con aires de jazz, rock y ritmos afro-latinos. Los ocho integrantes se conocen en La Escuela Popular de Música de Madrid, ahí se crea la quí- mica y nace la inquietud de hacer una nueva música, de llevar su folklor a otros aires y terrenos para buscar una evolución con un lenguaje distinto y lleno de una energía desbordante y fresca. A las pocas semanas de empezar a tocar en pequeñas salas y en la calle, sorprendieron con canciones de una belleza y sencillez deslumbrante a los viandantes, los domingos de Rastro.

Influenciados por la música rock de los años setenta (Pink Floyd, Frank Zappa, Led Zeppelin, Weather Report, Miles Davis), además de por el flamenco (Camarón y Paco de Lucía), en una línea heredada del rock andaluz de bandas legenda- rias como Medina Azahara y Triana (dicen de ellos que son una especie de Triana en versión del siglo XXI). Así extraen su sonido característico y único, logrando un flamenco lleno de nuevos bríos, haciendo un mestizaje musical muy rico en diferentes ritmos y paisajes sonoros de manera magistral, refrescando los sonidos del rock progresivo de vuelta a este siglo. Elbicho rompe moldes y esquemas, se trata de un conjunto atípico, que mezcla una cultura musical moderna nutrida de instrumentos y de bases eléctricas, con un cante flamenco potente y los palos más variados. Siguiendo la brecha abierta por Ojos de Brujo y Mártires del Compás, llega un nuevo bichito raro y único de la escena flamenca, mezcla de poesía urbana y de nostal- gia. La banda se llamó primero El Combo Flamenco y más tarde pasaron a llamarse Los Bichos, para al final quedarse con Elbicho.

Elbicho está compuesto por Miguel Campello (voz), gran timonel de un conjun- to de grandes músicos: Victor Iniesta a la guitarra, Carlos Punkbass al bajo, David Amores a la percusión, Toni Mangas a la batería, Pepe Andreu a la trompeta, Juan Carlos Aracíl a la flauta y Mario Díaz a los teclados, Hammond y sintetizadores.

No hay lugar a duda que gracias a Camarón el flamenco nunca descansará, como Cañizares que se atreve a poner una flauta en un combo flamenco, como Mártires que incluye guitarra eléctrica y percusiones a su propuesta, o como Ojos de Brujo que aporta un increíble bajista (eléctrico) y un inventivo Dj, Elbicho no dudan en realizar una mezcla única y riquísima de instrumentos que van desde las trompetas, flautas, bajo eléctrico, cajón y batería. A nivel vocal, la voz de Miguel Campello marca un camino flamenco muy tradicional al sonido.

Pero uno no se tiene que sorprender si de repente, unos enormes scratches sacuden su cadena musical o si en medio de un palo tranquilo, interrumpen unos coros que gri- tan “Olé al toro, muerte el torero”. Han encontrado el equilibrio entre la tradición flamenca y la dinámica instrumental e inventiva de sus componentes.

En el año 2003 lanzan al mercado su primer álbum de estudio de título homónimo (Elbicho) donde buscan los palos menos fusionados con el rock como son: los tanguillos, tangos y bulerías, producido por Tino Di Geraldo, Senheiser, Grumpy Joe y con colaboraciones de artistas del jazz, flamenco y pop como Carles Benavet, Jorge Pardo y Tomasito, que en menos de un año se convierte en disco de oro. En dos años el grupo se consagra como una de las principales apuestas del mestizaje flamenco, a base de una propuesta musical rica y atrevida, no sólo en los escenarios de España sino en casi toda Europa.

En 2005 editan su segundo álbum Elbicho II, autoproducido por el grupo junto a J. L. Garrido, un álbum catalogado como el mejor de su carrera. Sale con una portada poderosa y colorida, mostrando la fusión de culturas, en donde aparece un tipo de Shivá hindú, pero muy andaluz, retomando el arte psicodélico que caracterizaba a las tapas de los discos de los setenta, dando un preludio del contenido poderoso de la música y de las letras. Es un disco más elaborado y con una evolución en su sonido, heredado de la experiencia del primero, se escucha un Elbicho maduro y más trabajado, que experimenta con sonidos orientales al incluir instrumentos como la cítara y las tablas hindús. Sobresale una pieza de corte instrumental llamada La Suite con una duración de casi 15 minutos, en la cual nos llevan por distintos pasajes derivados del rock progresivo, además de tempos distintos, con matices de bulerías en 3/4 y de música clásica, destacando el trabajo de la flauta transversal y sonidos psicodélicos de sintetizadores. También brilla el tema grabado a dueto con La Mari de Chambao llamado “Parque Triana” una balada con una letra hermosa que a la mitad sube de intensidad para desahogar en una rumba con un toque de rock progresivo. En fin, 11 temas excelentes y energéticos que te envuelven de principio a fin. Su tercer álbum sale a la venta en 2007 con el nombre de Elbicho VII y entra directo al No 2 en las listas de ventas y permanece va- rios meses en el top 10. Nominado a mejor disco y mejor directo en los Premios de la Música de Extremadura, los llevó de gira por Europa. Colabora aquí con ellos la can- tante española Bebe en un tema llamado “Ropa tendida”, en un trabajo que explora los terrenos de los ritmos afro-latinos y antillanos, como el reggae, el son, el gua- guanco, el mozambique y el bossa nova, con el flamenquillo característico.

En 2009 publican Elbichodeimaginar, reflejando un directo de una ejecución magistral y excelsa. El magnetismo de Miguel Campello es crucial en la conexión del grupo con la audiencia, es un cantante que además hace algunos actos circenses en el escenario imprimiendo una gran fuerza y energía a la interpretación, con un nivel vocal potente derivado de la influencia del cante hondo. Desborda sensualidad y pasión por la música que interpreta, como una especie de Freddy Mercury español.

Es una apuesta por la fiesta inducida por los vientos omnipresentes y la improvisación del bajo eléctrico, que con la fuerza de la guitarra flamenca, marcan el desarrollo de un concierto en el cual todo es posible. El grupo suele tomar la temperatura de una ciudad y de un local antes de tocar, para que suba poco a poco el ambiente y la simbiosis con el público. No sólo se trata de fusionar música, los textos traducen una sensibilidad a flor de piel y una poesía muy emotiva que junto con las imágenes y los recuerdos forman una parte importante del universo visual y musical de Elbicho, pero no se trata de un mundo parado o pa- sado, sino de un mundo en constante inte- racción con sus orígenes y sus experiencias, arraigado en un profundo respeto por el tiempo y las tradiciones.

Actualmente a diez años de trayectoria, se encuentran inmersos en su gira “Fin de Fiesta”, un tour despedida que pone fin a un ciclo mágico y lleno de excelente música, para darle un descanso merecido y además de un respiro a la banda, para darle paso a proyectos personales alternos. Tal es el caso de la Candelaria, un proyecto de seis de los músicos de Elbicho, de corte instrumental y más llevado al latin jazz con el progresivo, o el proyecto en solitario de Miguel Campello, que acaba de lanzar su primer disco Chatarrero, más relajado que en Elbicho llevado hacia el pop y el rock con toques flamencos.

Su trayectoria los ha logrado posicionar como un grupo de culto. Se espera desde ya un regreso triunfal, con nuevos bríos e ideas diferentes, para seguir aportando al enriquecimiento de la buena música que tanto nos hace falta en estos tiempos.

Copenhague, Dinamarca. Corría el verano del 2006 en Copenhague, Dinamarca. Era una tarde agradable, soleada, sin lluvia y sin nubes. En los países escandinavos, días como estos son pocos, por lo que todo el mundo deja de hacer sus labores y aprovecha para salir a los parques, tirarse a tomar el sol y pasar un rato agradable en los espacios exteriores. Por esos días, estaba el festival de jazz de la ciudad. 1000 conciertos en 10 días no suenan nada mal para un país con 5 millones de habitantes y un idioma incomprensible. Daba emoción ver que entre los estelares del cartel estaban Herbie Hancock, Tony Allen, Pat Metheny, Sergio Mendes, John Scofield, Diane Reeves, Bill Frisell, Brad Mehldau, Fred Frith, Mike Stern y un largo y largo etc. Sonaba bien, pero los precios de sus conciertos eran prohibitivos para un estudiante como yo, por lo que me tuve que consolar pensando que por un momento estaba viviendo en la misma ciudad que todos esos grandes músicos. Había que buscar entonces los eventos gratis y al aire libre. Algo bueno, bonito y barato debe haber entre todo este talento. Fue así como descubrí a Ibrahim Electric.

El texto del evento los presentaba como una de las bandas de jazz más populares del país, por el derroche de energía y swing en sus presentaciones en vivo, así como su sonido rock-funk-jazzero que los caracterizaba. El lugar era una explanada junto a unas bodegas no muy lejos del centro de la ciudad. La plaza estaba abarrotada de jóvenes daneses, bellezas escandinavas y curiosos perdidos dentro de las actividades del festival. Fue un concierto grande, emocionante y vibrante. El clímax llegó cuando empezaron a tocar un tributo a Fela Kuti (algo parecido se puede escuchar en el disco Ibrahim Electric Meets Ray Anderson, 2006). No podía creer que un trío de güeros daneses tocaran de esa forma y con tanta energía.

En sus composiciones exploran las fronteras sonoras entre el jazz, el rock, el afrobeat, el blues y hasta el surf. Es como una especie de banda de garaje setentera, pero con una base rítmica sólida y jazzera, batería con mucho Groove, el inconfundible sonido rústico del Hammond B-3 y los brillos agudos y oxidados de una telecaster. Sin duda una gran banda con jazzistas que han decidido llevar la improvisación y libertad del jazz hacia el Groove y el rock. Los miembros de esta banda se han hecho un nombre por sí solos en la escena del jazz europeo y mundial. Cada uno ha ganado premios dentro y fuera de su país como jóvenes talentos del jazz. Como muestra, Niclas Knudsen (guitarra) ganó el Gexto Jazz Competition en 1996 y 1999, y recibió el Roland Music Award en la categoría de músico joven en 1998. Por su parte, Stefan Pasborg (batería) ha sido galardonado como solista en eventos como el Jazz European Contest, el European Tournament of Improvised Music y el Rythm Music Conservatory Talent Prize. Es considerado uno de los bateristas más reconocidos en Europa en cuanto a música experimental se refiere. Por último, Jeppe Tuxpen (órgano) se convirtió en una leyenda local al ser el técnico especialista del Hammond B-3 que acompañó a Lonnie Smith en su gira por Europa.

Jeppe y Stefan habían tocado antes juntos en una banda llamada Endorfin (Live / studio Recordings, TCB Records), misma que empezó a llamar la atención por el swing y funk que imprimían en sus presentaciones. Sin embargo, con Ibrahim Electric han alcanzado gran fama y este año están presentando su sexto disco (Royal Air Maroc, Tactic 2010). Según ellos, este disco es acerca de viajar. Lo compusieron mientras daban una gira mundial la cual pasó por Francia, Marruecos, Thailandia, China, Corea, Polonia, Estados Unidos y Canadá. Previo a esto, han grabado dos discos en vivo con el trombonista Ray Anderson. El primero de ellos (Ibrahim Electric Meets Ray Anderson, 2006) lo grabaron sin haber ensayado antes, ante un Copenhagen Jazz House abarrotado.

Pero, ¿quién es Ibrahim Electric? Esta banda es la heredera de toda una cultura jazzística que hay en Dinamarca, particularmente en Copenhague. En esa ciudad se respira, vive y siente el jazz todos los días. Rincones aquí, cafés por allá y un par de templos de culto (el Copenhagen Jazz House y el Jazzhus Monmartre) reciben a grandes jazzeros del mundo entero durante todo el año. Yo no lo sabía, pero a mediados del siglo pasado, una gran cantidad de músicos americanos emigraron por alguna extraña razón a esta bella ciudad escandinava. Entre los nombres destacan Stan Getz, Oscar Pettiford, Dexter Gordon y Ben Webster. De ahí, o quizás desde antes, se ha desarrollado una gran cultura musical, teniendo al jazz como su máxima expresión. Ibrahim Electric es una manifestación que ha sobresalido sobre las demás. Ahora, varios blogs del gremio lo han reconocido y empiezan a compartir su sonido con el mundo. ¡Enhorabuena!